The Post: Los oscuros secretos del Pentágono

Gran parte del drama está sobre los hombros de Katharine Graham (Meryl Streep), la dueña y sucesora del The Washington Post. Tal como lo afirmaría en algún momento su editor Ben Bradlee (Tom Hanks), ella tiene mucho que perder. The Post (2017) retrata las previas al destape de uno de los más grandes escándalos en la política estadounidense. Antes del Watergate, el gobierno de Richard Nixon sería cuestionado ante la revelación de unos documentos secretos del Pentágono. En medio de un falso optimismo bélico, el Gobierno desde hace años había predicho y callado el inminente fracaso de EEUU en la entonces vigente Guerra de Vietnam. A eso se sumaban gobiernos anteriores que ocultaron su interferencia en conflictos ajenos, los que trajeron pérdidas materiales y de vida.

Steven Spielberg relata la antesala al caos desde la perspectiva del Post. Veremos el rol crucial que el diario asumió en compromiso con la nación y su derecho por la libertad de prensa, adicionándose además un dilema personal impuesto en Graham, a quien la conoceremos cobijada en su círculo de la socialité y titubeando cada que el Post se expone a una difícil decisión. Más que una labor periodística, Graham apuesta por lo protocolar, el eterno consenso, la continua asistencia a sus asesores, típico del dirigente asignado de manera imprevista que tiene como único impulso la preservación del buen nombre que sus antecesores le otorgaron al diario. La presencia de Bradlee será medular para orientar a la dueña abstemia de liderazgo y pendiente de los compromisos particulares. The Post narra la historia de un empleado acosando a su jefa, irrumpiendo su privacidad, haciéndola “trabajar” y actuar a presión, en tanto, Graham delatando típicos tics de principiante, tropezando con sillas, estrujándose los dedos frente a su editor quien lo asaltó en pijamas o a mitad de una reunión. Hacía tiempo que Streep no tenía una gran interpretación sin necesidad de asistir a las prótesis.

Los mejores momentos en The Post acontecen en las reuniones a puertas cerradas, las de dos personas o en grupo, instantes en que se toman decisiones trascendentales que ponen en riesgo la vigencia del periódico. El hecho que se trate de ese oficio le adiciona además una premura. La idea de emprender una primicia apremia a que los protagonistas estén a contrarreloj. Una reunión de cinco minutos podría traer abajo toda una tradición y el empleo de tantos que conforman el Post. El debate se alimenta de los muros personales que Graham tendrá que tumbar, vínculos entre la mujer y elementos del Gobierno. Los dilemas morales y personales desequilibrarán la cotidianidad de esta protagonista. The Post aparenta ser algo distinto en la filmografía de Steven Spielberg. Si bien no estamos dentro de un contexto suburbial o burgués, el filme hace retrato de un protagonista que experimenta un quiebre en su rutina. Si en otras historias vemos a un tiburón, un extraterrestre o un gigante trayendo un poco de acción al aburrido calendario de ciertos personajes, aquí un presidente incentiva el pánico e intranquilidad a toda una nación y a una mujer que luego de ese encuentro no volverá a ser la misma. 

Apuesta maestra (o Molly's game)

El ritmo con el que trabaja la ópera prima de Aaron Sorkin me recuerda a esa mala premisa de algunos cultores de la lectura veloz: leer un texto a un ritmo rápido haciendo caso omiso a las dudas puntuales. En efecto, eso es lo que genera Apuesta maestra (2017), muchas dudas a causa del bombardeo de ideas, conceptos, acciones, desde las más cotidianas a las más cruciales para su protagonista. Sorkin si bien genera la expectativa, lo provoca a costas de una claridad plena. El guionista de películas como Red social (David Fincher, 2010) o Steve Jobs (Danny Boyle, 2015) anteriormente ya ha explotado esos ritmos de peroratas que se dilatan (aunque calibradas por respectivos directores), vinculados a biopics de perfiles ambiguos, sobre personajes que hacen retribuciones al mundo o son modelos a seguir y que también manifiestan un lado a cuestionar.

La historia de Molly Bloom (Jessica Chastain) reincide a la configuración narrativa de Red social al construir un presente en donde el protagonista está a merced de un juicio público y un pasado que reconstruye un raudo ascenso, en este caso, dentro de un mundo secreto de los juegos de azar. Apuesta maestra hace una “limpia” a los mitos que envolvían a la ex patinadora de EEUU. Lo suyo se asume como un serio tropiezo con la codicia retratado sin perversión. El filme de Aaron Sorkin se comporta como un filme de Martin Scorsese en una versión complaciente; hay una narración voz en off que nos retrata un mundo en incógnito que despliega personajes indecentes mientras su protagonista se encamina a una redención que no trae “muertos”. Apuesta maestra no decrece por la luz roja que cesa su narración vertiginosa sino por lo que acontece dentro de ese lapso; una terapia clínica que responde a esa personalidad fallida. Momento Kodak; diría un personaje de Belleza americana (1999).

El profesor Marston y la Mujer Maravilla

A la línea de los cuentos infantiles divulgados en tiempos del Medioevo, El profesor Marston y la Mujer Maravilla (2017) nos descubre una producción ficticia que, cual Caperucita Roja y Hansel y Gretel, reserva un origen que fue postergado por una temporalidad. Si bien el cómic de La Mujer Maravilla no fue el germen de metáforas perversas como el canibalismo o la pederastia, sí reconoció en el lesbianismo, el masoquismo y ciertos actos lascivos su fuente de inspiración. Esto resulta más que entendible viniendo de la ideología de su creador, un admirador confeso de los postulados de Sigmund Freud, quien se asoció al psicoanálisis a fin de dar sentido a su filosofía feminista: la sumisión innata de la mujer puede ser una ventaja en un mundo de hombres. Claro que “nada” es innato hoy en día, pero dentro de la realidad del doctor William Marston (Luke Evans) dicha hipótesis, en medio de un contexto enfocado en la Segunda Guerra Mundial y que todavía frenaba la igualdad educativa, parecía consecuente.

El profesor Marston y la Mujer Maravilla narra la historia del matrimonio Marsten, William y su esposa Elizabeth (Rebecca Hall), y su relación con la joven Olive (Bella Heathcote), una asistente de la clase impartida por William. La película de Angela Robinson se introduce a un ménage a trois para después ampliarse a un argumento más discursivo, aunque no abandonando su rasgo melodramático. La relación de a tres no es bien vista por la coyuntura. Eso traerá complicaciones para este trío que insiste en obedecer a sus sentimientos a contracorriente. Es de los enfrentamientos y algunas filias que nace la idea del cómic; lo más estimulante del filme. De repente todas las características y escenas que sustentan el universo de la heroína tienen acotaciones sexuales. Lo bueno de El profesor Marston y la Mujer Maravilla es que no cede a convertir a la confrontación social en su panorama principal. En su lugar, le da palestra a lo íntimo que luego se desplaza a lo erótico. 

The disaster artist: Obra maestra

Para nada un tributo a The room (2003). La película de James Franco se presta para el bullying al filme que se hizo fama por hacer el ridículo en la pantalla grande. The disaster artist (2017) arma el ridículo detrás de cámaras al subrayar la personalidad extravagante de Tommy Wiseau. Su historia se resume en dos aspirantes a actores y su fantasía por ser descubiertos en la Meca del Cine. Más que reconocer un conflicto, el filme revela secuencias que imparten el gag, la broma light tipo Seth MacFarlane, solo que omitiendo lisuras, en donde todo el peso de la trama recae en los hombros de un solo personaje. En ese sentido, la película de Franco se relaciona a la Wiseau en hacer de un solo personaje el eje del universo.

Tanto The room como The disaster artist son producciones de directores fabricando su propia condecoración. No satisfechos con ser los protagonistas principales, ambos acaparan gran parte de las secuencias. Wiseau al menos es auténtico, en cambio Franco es pantomímico. Si algo rescato de la película de James Franco es deducir que Tommy Wiseau se inspiró de Rebelde sin causa (1995) para crear su ambigua secuencia de un niño infiltrándose en el lecho de unos amantes. Por lo resto, The disaster artist es una biografía parcial que podría hallarse en Wikipedia. Al menos The room tiene el “chip, chip, chip”.

Curso Transformaciones del Cine Contemporáneo

Están invitados a este curso que tiene como meta reconocer y reflexionar sobre el cine contemporáneo, los cambios y nuevas perspectivas que se adoptaron con el avance de la tecnología digital, pero también la conservación o el tributo a las herencias fílmicas. Se verán fragmentos de películas, provocaremos el análisis y el debate.

4 sesiones

Costo: S/60

Lugar: Taller Santa Rosa – Jirón Santa Rosa 310, Barranco https://goo.gl/maps/LwSePtVxcot

Días: jueves 1, 8, 15 y 22 de febrero

Programa del curso: http://bit.ly/2COKz5W

Evento: http://bit.ly/2Fiy6rY

Django: Sangre de mi sangre

Del lenguaje de barrio impostado a la resucitación de uno de sus protagonistas, la nueva Django: Sangre de mi sangre (2018) tiene los componentes de un cine de culto. La nueva película de Aldo Salvini se apropia de las fórmulas de género mediante una particularidad extravagante que se manifiesta en las performances que pugnan por aventajarse del resto del elenco, las líneas picarescas que establecen el grado de poder en el hampa, situaciones disparatas que ocasionalmente estimulan las risas involuntarias, el esquema de estereotipos empujados a lo caricaturesco, la atractiva y estridente fotografía de Micaela Cajahuaringa. Todo funciona dentro de este universo de pulsiones exóticas y de constante dinamismo. Tal vez eso último sea lo más gratificante del filme de Salvini: no se perciben los tiempos muertos o residuo en su trama. Dentro de lo exagerado o “malempleado”, la película sigue un itinerario reflexivo.

La historia inicia con Django (Giovanni Ciccia) puesto en libertad. Su reinserción en la sociedad tendrá complicaciones al verse comprometido con una mafia del crimen organizado en donde uno de sus hijos reside. Salvini aprovecha esa oleada de secuelas fílmicas, sobre el retorno a la pantalla grande de los (anti)héroes envejecidos masticando su propia redención, para hacer de Django un nuevo hombre que se esfuerza por seguir la línea de lo correcto. No hay que ser vidente para presagiar el fracaso de su objetivo. Sucede que mientras Django se encarrilaba tras las rejas, la ciudad se pervertía aún más. Django: Sangre de mi sangre se inspira en la coyuntura social para sembrar a sus enemigos. El sicariato y la extorsión son el foco de atención e investigación de las fuerzas policiales y ya no los robos a mano armada a lugares públicos. De repente en la secuencia de un golpe del protagonista, quien hace remembranza de su discurso o permiso previo al atraco, resulta muy de los noventa. Hay modos de delincuencia y violencia que pasan de moda.

Es esa nueva representación de la violencia la que abre paso a que Django: Sangre de mi sangre sea más descarnado que su historia original. Tiroteos, persecuciones y ultimaciones al paso dan la pauta de acción al filme. Salvini recarga con descaro todos los mecanismos empleados en el primer Django (2002) que atrajeron en su momento, pero además le empadrona una dosis de comicidad e ironía, como para confrontar con el estado de tensión o la propia acción, fabricando de paso ese rasgo de personalidad pintoresca. Vale mencionar que dentro de ese oasis burlesco una escena parece ser un OVNI en el cielo: una lograda escena dramática (que son varias, pero esta no provoca hilaridad) en donde Django y su hijo están abiertos al diálogo. Gran actuación de Emanuel Soriano. En adición, la presencia de su personaje, como sucede en esa secuencia, genera un contraste dentro del entorno. Por lo resto, Django: Sangre de mi sangre es un ejercicio que parece una sala de juegos. Hay un desenfado creativo, pero hay fórmulas o reglas que se siguen.

Salvini se alía al género gang, el thriller, el cine de acción, toma a sus estereotipos y les asigna un idioma particular a la orden de su universo. Está el jefe de la mafia, el “mudo” celador de este, el tartamudo de fragilidad para la lealtad (que curiosamente se repite), el brazo derecho, los parásitos. Es interesante cómo se crean pequeños grupos y rivalidades dentro de la pirámide que conforma esta delincuencia. Vemos en menor escala a Montana (Emanuel Soriano) haciendo su propio duelo con un personaje cliché de ojo de vidrio, y además tiene sus propios aliados y traidores. Está también la alusión a la femme fatale, protagonizada por Stephanie Orué. Django: Sangre de mi sangre se estructura en dos partes: la calle y la cárcel. Eso convierte también a la película en un filme carcelario, momento en que se verá la resolución de todo lo amasado en las calles. Por último, Aldo Salvini fabrica su propia trivia haciendo alusiones autoreferenciales: asalto al Huáscar, Neptuno.

Good time: Viviendo al límite

En su último filme los hermanos Safdie retoman ese encantamiento por los personajes de rutina y oficio degradado que protagonizaban la historia de Heaven knows what (2014). Sin embargo, existe una distinción abismal entre su anterior película y Good time (2017). Mientras que Heaven knows what padece de una trama pasmada y dependiente de una morbosidad suburbana, en su más reciente filme apunta a un cine de género, en este caso, el thriller, gestándose –especialmente en su principio– un dinamismo en su trama. Dos hermanos realizan un golpe a un banco y las cosas se complican. El conflicto llega con anticipo y la acción no parece tener freno; o al menos esa es la impresión que otorga su bien colocada y fundamental banda sonora. Sospecho incluso que sin la música de fondo este filme reduciría considerablemente su nivel de estímulo.

Good time acontece en no más de 24 horas. El encarcelamiento de uno de los hermanos, servirá de impulso para que el otro busque desesperadamente el dinero para pagar la fianza correspondiente. ¿A qué se debe la exigencia de premura en esta búsqueda? Sucede que el encarcelado sufre de leve discapacidad mental. Connie (Robert Pattinson) está a contrarreloj. Mientras más tiempo se encuentre aislado su hermano menor, más son los riesgos de que le pase algo y que además termine en una asistencia mental.  De esta forma los Safdie ejercen presión. El ritmo acelerado está calibrado en base a qué tan cerca o lejos se encuentran los dos hermanos, quienes mantienen una relación de vigilante y protegido. Muy a pesar, por mucho que la acción o la ansiedad teja los contratiempos por los que va pasando Connie, este filme posee una base dramática.

 Tanto la introducción como el final de la película dan por expreso el estado crítico en el que se veía expuesto un personaje: Nick (Benny Safdie). Sin aparecer mucho, el hermano menor es motor de los hechos y gran víctima de la situación, asediado por los antecedentes de una familia disfuncional, al que se incluye su negligente hermano. La ambigüedad de Good time llega mediante el gesto sacrificado de Connie, el de salvar a su hermano Nick para trasladarlo a lo que considera la mejor salida, cuando no lo es. Sin ser un filme social, la película de los Safdie le da un vistazo reflexivo a un grupo de personas arraigadas a un mundo infecundo, en donde “niños” parecen huérfanos, criándose del que está más cerca de ellos, siempre malos ejemplos.